Cuando el canto se canta...

Eran las 9:00 p.m del jueves  3 de octubre y salía  de la Sala Ensad  luego de asistir "El canto del cisne" de Chejov y "Camila canta a la vida" de Ernesto Ráez.

Ambos textos son presentados como "estudios dramáticos", si bien en el teatro acostumbramos a leer "textos teatrales" muy pocas veces se nos presentan los "estudios dramáticos".

En realidad el significado de un estudio dramático no lo tengo muy en claro, pero creo que poco importa cuando de lo que se trata es de ver las obras y llevarnos a la reflexión o a la  contemplación de dos situaciones de vida cercanas a nuestra realidad, más cercana aún para el artista.

Con la interpretación de dos actores de "talla" y "peso" El canto del cisne es una alegoria a la muerte  , a la redención, a la vida.

Y es que vale preguntarnos ¿qué significa ser actor en esta época? ¿qué fue y que es la  profesión del actor en épocas en que este arte es muy poco o nada valorado?

Si bien es cierto, la obra muestra a dos viejos (uno actor y el otro apuntador)  solos en el camerin  notamos la vigencia  aún en el pasar del tiempo, por ello es que creo la elecciòn de Jorge Sarmiento en montarla en la ya renovada Sala Ensad es un homenaje no sólo a Chejov sino más bien un homenaje al arte de actuar, a todos y cada uno de aquellos que dedicados a este arte valoran y aprecian cada encuentro con el espectador, cada acto "convivial" donde se funden energias llenas de vida y de muerte.

Acertado es  también que esta vez  la interpretación recaiga en dos actores dignos de  recibir homenajes : Rafael Hernandez y Arturo Villacorta, dos artistas con más de 50 años en el teatro, pero ojo no por los años queremos que este montaje sea su propio "canto del cisne" muy por el contrario es una alegoria a la vida...a sus vidas en el teatro; dicho sea de paso "Camila canta a la vida" de Ernesto Ráez nos muestra a una vieja actriz, en una situación semejante a Vasili de Chejov.

Interpretada por Pilar Nuñez este estudio nos deleita con  grandes momentos del teatro peruano  en contrapunto con la jovialidad del aspirante a actor, interpretado por Emilio Montero y la muchacha de la limpieza Laura Pereira. La fusión de jovialidad, madurez, ternura, inocencia, energia, experiencia hacen con que el espectador sea parte y cómplice de ese sueño "recordar es volver a vivir" .

Grata pues ha sido la experiencia de ver estas dos obras, en ambas y bajo la metafórica y muy acertada "agonia del rasuñiti" nos quedamos con esto: llegó el final...la muerte, pero una muerte que fue y va más allá de la vida, dejando de lado las manoseadas frases de "a la muerte hay que verla con los ojos", ¿por qué no? la muerte llega y algo nuevo renace...al final es sólo antes de morir que podemos escuchar el verdadero "canto del cisne...cantando a la vida"

Guadalupe Vivanco
Un cisne que aún no desea cantar...

METÁFORA E INTERPRETACIÓN PARA UNA CREACIÓN DE PERSONAJE

Metáfora  e interpretación, ¿Qué en común tienen estos dos términos?, ¿de qué manera se fusionan para una creación de personaje?  Estas son una de las  preguntas que tuve que hacerme para crear una composición e interpretación del personaje y de qué forma las metáforas repercuten en la interpretación. Pues como explique en los comentarios anteriores la esencia de la metáfora es decir una cosa en términos de otra, un significado similar  tiene la interpretación,  por ejemplo:

Explicar acciones, dichos o sucesos que pueden ser entendidos de diferentes modos.

Traducir de una lengua a otra, sobre todo cuando se hace oralmente.

 Concebir, ordenar o expresar de un modo personal la realidad.

Estos son uno de los conceptos de los  cuales me sustentaré para decir que la metáfora tanto como la interpretación, son similares  y se pueden fusionar para la  creación de un personaje, ya que ambas, trabajan  con diversos lenguajes como los símbolos, las imágenes, el cuerpo, que nos pueden brindar diferentes lecturas, y de esta manera podemos  interpretar  las metáforas en la interpretación del personaje  que son libres y únicas para cada individuo.

Ya he explicado mi punto de vista con respecto a estos dos términos, ahora explicaré porque elijo la palabra interpretación del personaje y no la representación del personaje. Elijo este término porque la interpretación  va más allá de una simple representación, que solo se encargá de representar tal cual lo que dice y se describe  en el texto, por otro lado la interpretación toma la esencia, el tema principal, que el autor nos quiere en su obra, y le da chance al director y al actor  a proponer cosas nuevas para el montaje de la obra, sin dejar de lado   el tema principal que el autor propone, al contrario este trabajo de complementación de autor ,director y actor, hace más rica la puesta en escena.

ANA LIZ PUMAHUACRE

La relación del Gesto con el Movimiento en el Espacio

Algunos dirán que Mimo es el arte del movimiento corporal y que la Pantomima es que lo imita todo o es una breve historia sin palabras.

Sin embargo el arte nunca es estático, el arte es subversivo y siempre está en permanente dinámica tenemos que tener en cuenta que vivimos en una época donde la imagen cada vez toma mayor importancia que la palabra. Donde el hecho teatral se nutre de las diversas artes tales como la música, la pintura, la danza, el video, el circo, etc.

A veces tendemos a aprisionarnos con absurdas y complejas definiciones para conceptualizar el arte (que también a veces es necesario) haciéndolo atravesar con barrotes y no dejarlo a que evolucione, sea dinámico y ser libre como arte que es. Ya que veces nos aferramos a estas cárceles que algunos crean y se aferran a ella como un pajarillo aun dentro de un cascaron.

¿Acaso no es necesario romper y salir de ese cascarón?

¿Acaso no es necesario transgredir estas cárceles para seguir arriesgando?

¿Acaso no es necesario hablar en estos tiempos sobre la fuerza que tiene la imagen, que va implícito el gesto y como tal, este se construye y deconstruye en el espacio para tejer nuevas partituras?

¿Acaso no podemos hablar de una partitura gestual del cuerpo o de la psicología del actor u objeto?

¿Acaso no pueden ser tantas cosas?

¿Acaso no se puede decir que el gesto es la expresión de un movimiento, una palabra, un pensamiento, un objeto o forma de luz en el espacio?

Enlazar las distintas vertientes teniendo como punto de partida la investigación, exploración y experimentación del arte del gesto, será el nuevo reto para encontrar nuevas formas de creación escénica y construir nuestras propias luces de ver el teatro.

Junior Benavente Izaguirre

EL USO DE LAS METÁFORAS EN LA TRAGEDIA

 

Como hemos visto en  los comentarios anteriores acerca de la  metáfora, mencionamos que gracias a esta podemos utilizar  un lenguaje poco inusual, donde  las palabras o  frases  tengan un valor  más poético o que encierren algo más que una simple idea, de lo que comúnmente  se  está acostumbrado  a utilizar en el día a día . De esta manera también hacemos mención de como las metáforas son utilizadas en el teatro, recordemos que el tiempo de las tragedias griegas estas jugaron un papel importante sobre  todo en los  diálogos  que los dioses griegos utilizaban, o la elocuencia que tenían al  referirse a ellos, aquí tenemos un ejemplo: por cierto “Ulises ha llevado a cabo diez mil nobles hazañas” donde “diez mil”  es la especie que corresponde a un número desmesurado y en lugar de emplear el término “muchas”, el poeta utiliza “diez mil”. De esta forma podemos ver como  son remplazadas las palabras que denotan  un significado simple y común, por términos o frases fuera de lo inusual que encierran algo más que una  simple idea. Con esta información hemos visto como las metáforas son piezas fundamentales  en las obras de teatro.

 

Ana Liz Pumahuacre

 

Preparación de la sombra

Se dice que para llegar a dominar una técnica sea cual fuere, se debe vivir con ella, debe formar parte de tu cotidiano y debes amarla… Pero ¿Qué pasa cuando ésta técnica no forma parte de tu tradición, y no fue difundida de generación  a tu generación?

Esta es la pregunta que nos hacemos cada vez que nos enfrentamos a lo nuevo o lo desconocido, a la que por lo general tomando el camino más fácil, respondemos: “creo que esto no es lo mío” entonces nos asustamos y nos negamos a enfrentarlo y elegimos otro camino. Los hombres que desean romper sus retos van a necesitar una actitud más positiva, valiente y perseverante; sin embargo no es suficiente ya que el único camino que te llevará a romper esas limitaciones va a depender de tu esfuerzo, estudiar mucho, practicar una, otra, otra y otra vez más, de modo que la conviertas en parte de ti hasta conseguir el conocimiento deseado, sólo así podrás tener la satisfacción de superar tus límites, los que te llevarán a superar otros incluso mayores.

El teatro de sombra es un arte tradicional que nació en China como un espectáculo para rituales o ceremonias mortuorias. Ésta no solo es un arte, es una disciplina que se practica estrictamente ya que el conocimiento es práctico y son necesarios muchos años de dedicación total para su dominio.

Es importante saber que el teatro de sombras no es otra cosa que el trabajo de las técnicas de luz, de modo que lo primero que se debe estudiar para poder realizarla son los efectos que causan los distintos tipos de luz sobre la tela en la que se proyecta; a partir de eso se puede jugar con la nitidez de la imagen, la deformación y otros efectos que ayuden a la historia.

Las sombras tienen la facilidad de contar historias, y juega mucho con los personajes tipo, que tienen características muy marcadas. Sin embargo no es tan sencillo como puede aparentar. La sombra no lo dice todo pero dice mucho, es cuestión de sacarle el mayor provecho y descubrir todo lo que puede ofrecer, sin olvidar que nada es absoluto y es necesario identificar sus limitaciones; tal como lo dice Ana María Amaral:

“La sombra tiene su propio lenguaje, hay cosas que la palabra cuenta mejor que la sombra; hay cosas que la sombra cuenta mejor que la palabra y encontrar el texto de la sombra es lo complicado”.

ALLYPSIS KUSKA

EL CUERPO COMO INSTRUMENTO

Hemos sido desde el inicio de los tiempos,  masa, desde la explosión del Big Bang,  millones y millones de partículas se expandieron ocupando un lugar en el espacio  para crear vida y transformarse en el universo en el que ahora vivimos.

Hago entonces la similitud de nosotros los actores que nos expandimos dentro de nuestro propio espacio para así crear este arte llamado teatro. Entonces no  podría existir  este  teatro sin la presencia del actor en escena,  de una masa, de un cuerpo presente a lo largo del convivio teatral.

Este cuerpo presente no es más que la manifestación del pensamiento y el cuerpo, esta combinación lo hace vital, existente. Tal como nos dice Yves Lebreton* en su escrito EL CUERPO MANIFIESTO

“El acto físico radicado en el cuerpo, proyectado por el movimiento y estimulado por el pensamiento afirma una existencia”

Ahora como este cuerpo que es utilizado como instrumento de representación, (cuando digo instrumento  no me refiero al cuerpo como objeto sino como la esencia del ser humano) esta netamente ligada al entrenamiento del actor el cual debe darse de manera integral ya que debe ser capaz de transformar y crear sin límites que lo estanquen en un pozo de pocas posibilidades físicas.

Este cuerpo cuando se complementa a través de nuestra conciencia, de experiencias sensoriales  y nuestra imaginación más el entrenamiento actoral  que cosas podrían crearse rompiendo  inclusive nuestros propios esquemas, dejándonos sorprender una y otra vez descubriendo esta  expresividad del actor y  la posibilidad de cobrar vida en el escenario.

SILVIA TERNERO

La mujer en la escena posmoderna y producción de sentido

En la obra “La mujer sola” se manifiesta como símbolo de varias mujeres que aun estos tiempos padecen de ser consideradas objeto dentro de la sociedad, un objeto manipulable por la hegemonía masculina. La posmodernidad en el momento que plantea no uno sino varios enfoques acerca de un tema, comienza a cuestionarse sobre lo que realmente es correcto o no, sobre o que se debe o no, lo que significa cada cosa no buscando un concepto sino una reflexión. Es en ese momento en que la presencia de la mujer en escena se transforma, traslada su búsqueda de identidad femenina al campo simbólico, utiliza su cuerpo como medio para situarse en algún punto. El cuerpo como parte de ella misma, el cuerpo que comprende mente y alma, es éste el que se relaciona con el entorno el que mantiene a todos conectados con la realidad y la vida. En este caso citaremos a Patricia Márquez (2002):

“El cuerpo de la mujer en el arte corporal posmoderno, es un cuerpo que busca autodefinirse como alternativa a la autocensura de los discursos patriarcales. El cuerpo se convierte en el narrador de historias inconclusas, de deseos reprimidos, de esperanzas y sueños, desvelando el juego entre la realidad y la falsedad de los roles femeninos. ”

El cuerpo como manifiesto de sensibilidad enmarcado en un contexto de arte dramático y arte de movimiento, se propone replantear su propia existencia, buscando simbólicamente su espacio tiempo, su propio ser.  Personalmente como mujer me planteo ¿qué es para una mujer ser mujer? ¿Qué significa su cuerpo? ¿Qué significa nuestro cuerpo?¿Fertilidad? ¿Sexo? ¿Sensualidad? ¿Maternidad?  ¿Cuál es nuestro espacio ahora?...Aun me lo sigo preguntando.

 

MARICARMEN VELÁSQUEZ

LA SOLEDAD

“En el teatro todas las mujeres han estado solas”. Ernesto Ráez Mendiola.

En la mayoría de obras teatrales que tratan el tema de la mujer, o la protagonista es ella, se presenta esta constante, las mujeres en soledad. Nora, en “Casa de muñecas”, Julia en “La señorita Julia”, María en “La mujer sola”, y así me podría pasar horas mencionando diferentes ejemplos, pero en este caso quiero hablar de un monólogo llamado “Soledad”, del autor peruano Ernesto Ráez Mendiola, el cual no está muy alejado de la realidad de estos ejemplos teatrales, ni de la realidad de la vida cotidiana.

Pero, ¿la soledad, es un mal?, ¿es un bien?, porque los seres humanos viven en esta circunstancia en determinado momento de su vida y porque afecta de forma negativa en la mayoría de vidas de mujeres.

En las sociedades antiguas y aun sigue siendo tradición en ciertas culturas, buscar un marido para las féminas de la familia, ya que se cree que no se pueden valer por sí mismas, que son una carga y se convierten en maquinas de reproducción, para perpetuar la especie. Actualmente, en la edad moderna, e incluso post-moderna, poco a poco se va demostrando que todas las mujeres tienen los mismos derechos y capacidades similares a la de los varones, son competentes para  salir adelante pese a las dificultades de la vida cotidiana que se presentan en el día a día. Y de sobrevivir en esta contante guerra por subir uno sobre otro para demostrar superioridad contantemente.

A pesar de esto, aun se carga con el yugo de la tradición y las costumbres, las mujeres modernas aun conviven con seres humanos de otras épocas, personas que aún persisten en ciertas reglas que muchas veces van en contra de la individualidad y libertad de las personas. Y justamente a demás de tantas enfermedades de la mente y del alma, como la falta de autoestima, la depresión, el estrés, a las cuales estamos sometidos por el cambio de época que estamos sufriendo; se encuentra la, amada por muchos, odiada por otro soledad.

A  pesar de que cada persona le encuentra una interpretación para su soledad, según la experiencia de vida que haya adquirido; esta palabra, soledad, en el diccionario quiere decir, según su significado: “carencia de compañía. Pesar y melancolía que se siente por la muerte, ausencia o perdida de alguna persona o cosa. Lugar desierto o tierra no habitada”. Por otro lado en significado para, Solo (a), es este: “único en su especie. Que esta sin otra cosa o que se mira separado de ella. Dicho de personas sin compañía. Paso de danza que se ejecuta sin pareja”.

Y no es coincidencia que todos y cada uno de los significados descubiertos se encuentren inmersos en el monólogo “Soledad”, ya que esta obra narra hechos contados por la propia protagonista, quien es una mujer que ha sido golpeada por circunstancias desafortunadas de la vida, y esta red de hechos han desencadenado en que ella huya de la realidad externa del mundo que la rodeaba, hacia un mundo interno, en el cual se siente segura y del cual no quiere salir, porque ahí se comprende, se justifica, se haya y se siente acompañada por sus recuerdos.

Nos cuenta la historia de una mujer que se encuentra en un estado catatónico por voluntad propia, ha decidido huir de la realidad e internarse en su mundo interior, imaginario, lleno de recuerdos y fantasías.

En la realidad se encuentra internada en un psiquiátrico en donde los médicos y una persona que es la única visita que tiene, tratan de regresarla a la realidad, a lo cual ella se resiste, porque no se siente segura aun.

A lo largo de la obra, Soledad, va narrando ciertos acontecimientos de su vida, los cuales la han llevado a la situación en la que se encuentra en su actualidad, así mismo va reflexionando y sacando conclusiones, cuando está a punto de tomar la decisión de salir de ese mundo, sufre una de las constantes descargas eléctricas que le practican la cual hace que ella sienta miedo y hace que posiblemente se quiera quedar por más tiempo en aquel lugar que solo existe en su mente.

En el colofón reflexivo de la obra, el autor nos dice:

“Soledad trata de la sensación de abandono que causa la indiferencia ante la necesidad de amar sin encontrar con quien satisfacerla, de los delitos contra la sensibilidad que no tienen condena… Cuando la educación es un capítulo nebuloso y árido de libros y conocimientos que no atiende a los sentimientos. Mutilamos el alma de un niño cuando la familia se quiebra, aunque su carencia sea sustituida por la convivencia con un alma caritativa y el cariño por los animales. La ciencia lesiona y no cura, el egoísmo reemplaza a la solidaridad y no hay justicia. El amor es un desfogue de deseos, sucedáneo de ternuras olvidadas. Por eso la madre es la única luz en el recuerdo. El padre es un ente amorfo sin sentido. Dios es apenas un término para exclamar y el trabajo, no es autorrealizador,  si es una subocupación o una sobreexplotación, tedioso cumplimiento de tareas rutinarias nada estimulantes. La sana recreación se pierde en la última fiesta juvenil a la que siguen las orgías de mayores. El mejor sexo es el solitario. Sin embargo, no todo está perdido. El amor verdadero puede ser encontrado y rescatado. Ingresemos a la intimidad de Soledad, seamos testigos de su lucha, a través de toda su vida, por evitar los extremos mecanismos de negación que conducen al suicidio.  Que su valerosa parábola nos permita encontrar el sendero de la solidaridad humana”. (Ráez, 2013)

Realmente es una obra que conlleva a la reflexión, sobre la sociedad, el sistema educativo, los lazos filiales, y como estos repercuten en la adultez de los seres humanos, en sus comportamientos, sus historias de vida, sus relaciones con los demás seres y finalmente con el mundo que los rodean, llevándolos, como es el caso del personaje a huir de él, para crear su propio habitad.

 

Antonia Mor Amor

LAS METÁFORAS EN NUESTRo COTIDIANO

Anteriormente se explicó que una metáfora es: hacer referencia de  una cosa en  forma de otra, de una manera más poética, con un lenguaje menos convencional, utilizando  palabras simbólicas que descifren  el significado o trasfondo escondido que guarda el texto. Pero también cabe mencionar que la metáfora no solo se encuentran en los textos sino también en  nuestro decir diario, ya que una de las características de la metáfora también son las comparaciones, muchas veces utilizamos metáforas  sin ser conscientes  que las  estamos empleando, cuando comparamos estamos utilizando metáforas, por ejemplo utilizando  frases como esta:  “ese   hombre  es como un león”, estamos haciendo referencia que este hombre es muy fuerte como el león, que tiene mucha destreza física o que quizás tiene lindo cabello como  la melena del león. También utilizamos metáforas conceptuales como  “la vida es una guerra”, este tipo de metáfora la utilizamos en una discusión donde tenemos una  posición el cual defendemos con argumentos, utilizando un lenguaje bélico y diciendo frases como estas: tus afirmaciones son indefendibles, atacó todos los puntos débiles  de mi argumento, sus críticas dieron justo en el blanco, y así muchas frases más.

Con lo ya comentado en lo anterior, de esta manera  podemos darnos cuenta como las metáforas influyen en nuestra vida, en nuestro decir  del día a día, ya sea utilizada para alagar a alguien o para defender nuestros argumentos frente a una discusión.

 

ANALIZ PUMAHUACRE

LA COMEDIA DEL ARTE, UNA GRAN HERRAMIENTA PARA EL ACTOR

Es erróneo si se piensa que en la Comedia del arte hace que el actor se condicione a vicios o posturas estereotipadas. Por el contrario, este estilo obligaba al actor a que trabaje al máximo sus cualidades expresivas en el cuerpo y en la voz, que lo hacen interpretar y crear una dramaturgia en el espectáculo.
No olvidemos que es la fuente principal por el que se han inspirado muchas corrientes artísticas y que sus personajes han servido como modelos principales que van a influir dentro del teatro moderno.
Grandes maestros del siglo XX han exaltado su valor para el aprendizaje de los actores a través del trabajo en el escenario, la pantomima, las técnicas cómicas y el estudio de los “tipos universales” mediante la técnica del uso de máscaras que representan para el actor moderno una técnica insustituible.
Jacques Lecoq y Dario Fo, han revitalizado este género dándole una importancia vital en la formación del actor ya que le sirve de herramienta para obtener una gran soltura corporal, capacidad de juego y enfrentamiento mordaz con el público.
Con Meyerhold, también encontramos esta respuesta en el género cómico, particularmente en la farsa, ya que da énfasis a que el actor deba estar preparado para recibir las indicaciones respecto de su juego escénico. Para ello se debe tener fruto de una prolija preparación que se apoyaba en la biomecánica, en la que un actor tan dúctil y acrobático, conocedor de muchos recursos que ofrece el arte (imprevisible de la exhibición artística), es capaz de responder inmediatamente ante cualquier requerimiento del director. Es lógico suponer entonces que sus actores responderían puntualmente a las necesidades de la composición del personaje en las que el cuerpo y sus posibilidades de expresión tendrían momentos de exaltación.
Si nos damos cuenta, el actor dedica toda su vida a perfeccionar los movimientos, la gesticulación, la emisión de la voz, de un personaje determinado que llega a mostrar de una manera óptima su trayectoria escénica, la misma preparación que buscaban alcanzar los actores de la Comedia del arte.
No se puede definir como eran los movimientos de los comediantes del arte, ya que solo hay referencias en los análisis iconográficos de los canovaccios escritos del Recueill Fossard y de las pinturas como las de Jacques Callot y Antoine Watteau, en las que muchos maestros y actores del teatro han tenido referencias para la constitución física del personaje, por la que han hecho una secuencia de movimientos, pero eso no quiere decir que sean códigos preestablecidos, sino una idea de lo que pudo haber sido, por el contrario ellos buscan a través de diferentes técnicas teatrales interpretar al personaje tal y como ellos lo visualizan.

NARAYANA CAMPOS

EL TRATAMIENTO DE LAS SITUACIONES RECUERDO

En la mayoría de obras dramáticas se presentan situaciones en las que los personajes accionan motivados por el recuerdo, Sobre todo en los monólogos, el recuerdo como motor generador de acciones físicas y comportamientos del personaje. Es un reto para los actores lograr todos los cambios del comportamiento que el recuerdo genera en el personaje, de manera orgánica porque  se supone que todo eso ya ha sido vivido  y debe traerse al presente escénico para que sea visto por el público.

La interpretación de las situaciones “recuerdo” no ha sido tratada para encontrar que método es el más adecuada para resolverlas.

En mi laboratorio de actor me encuentro con la obra “Dos para el camino” del dramaturgo peruano Cesar de María, un texto constituido por cuatro monólogos y una escena. Escojo el monologo titulado “El novio y su amigo” Cuyo personaje se encuentra en un lugar no determinado y todo su accionar está motivado por sus  recuerdos, debido a ellos tiene cambios muy  rápidos de estado de ánimo y comportamiento; a esto se le suma que está muerto.

Siendo el recuerdo un elemento fundamental en la situación de este, y  muchos otros monólogos decido intentar resolver la interpretación de las situaciones “recuerdo” en un texto dramático. Para conseguirlo pretendo buscar, indagar, probar, experimentar distintas técnicas que conlleven al adecuado tratamiento de este tipo de situaciones  en un texto dramático.

Miguel Torres Vidal

ENTRE SOMBRAS

Cuando un actor se encuentra frente a un texto teatral, visualiza imágenes, acciones, se transporta al escenario e imagina todas las posibilidades actorales que él mismo podría ejecutar.  Ya en escena, existe una gran exigencia actoral para llevar a cabo un personaje, el cual se desarrolla e interactúa con otros actores dentro de una historia; sin embargo, cuando uno se enfrenta a un monólogo las dificultades son mayores, y aún más cuando en este se encuentran diversidad de tiempos, situaciones, espacios e incluso personajes.

Al encontrarse en un problema como tal, el actor necesita recurrir a todas sus experiencias académicas para lograr solucionar el monólogo, y al no encontrar algo que le ayude, investiga otras formas teatrales que le atraigan y lo convenzan a probar como posible solución.

El teatro es un campo muy amplio y difícil de manejar en su totalidad, cuando hablamos de teatro, por lo general se nos viene a la mente la imagen de personas interactuando en una actuación realista, lo que no está mal ya que nuestro teatro está en plena búsqueda de esas nuevas formas de las que estamos curiosos; pero es importante saber y tener en cuenta que existen múltiples formas teatrales que se han desarrollado a través del tiempo y que aún seguirán existiendo, creándose y reinventándose.

Entre tantas formas del teatro, me encuentro con una en especial, aquella que usa un elemento que es real e irreal al mismo tiempo; que permite crear un ambiente mágico y que su principal función en la sociedad, es aflorar el sentido más primitivo de percepción en el ser humano…”El teatro de sombras”

Este teatro, ha sido muchas veces utilizado para recursos pedagógicos; sin embargo en el campo de la actuación, pocos grupos se dedican a este lenguaje teatral. El gran problema en nuestro país es que no existe ningún tipo de formación actoral para manipuladores, de modo que encuentro aquí un vacío en el campo actoral.

“La madre pasota” de Darío Fo es un monólogo de comedia negra y así como todas las obras de este autor, es también una crítica a una sociedad machista que castiga a la mujer por desear su libertad. Dentro de este monólogo, los recuerdos que evoca el personaje llevan consigo: situaciones, lugares y personajes; que son el pilar de la historia.

Por lo tanto, el presente proyecto de investigación se enfoca en lograr a través de un teatro de sombras, representar los recuerdos del personaje de modo que aporte a la puesta en escena como “lenguaje interpretativo” y se complemente con la actuación de la actriz, lo que finalmente resultaría una propia y nueva dramaturgia.

   ALLYPSIS KUSKA

LA SOLEDAD DEL OBJETO

En el campo de la actuación, el Teatro de Objetos, posee herramientas innovadoras e importantes que incorporan una gran variedad de recursos, distintos lenguajes y procedimientos. En relación directa a la dramaturgia actoral, este tipo de teatro impulsa al intérprete a interrelacionarse con el espacio escénico y  los objetos que lo rodean, de una forma distinta, ya que precisamente la relación que se crea, toma una dimensión más profunda, lo cual hace que se convierta en una conexión productora de sentido, ya sea animando una forma inanimada, dando una valoración al objeto que lo coloque en un  lugar de actante, convirtiéndolo en ciertos casos en personaje, u ofreciéndole un significado distinto al que tiene en el cotidiano ; a su vez es misión del actor establecer una comunicación con el público, en la cual se transmita el concepto que se tiene del objeto o la forma, dentro de la obra.

El Teatro de Objetos, a pesar de ser una corriente con muchos años de trayectoria, en nuestro país aun no es muy conocida y escasamente practicada. Así mismo en las principales instituciones académicas que enseñan arte dramático en Lima, los cursos que se brindan, cuentan con una información reducida sobre este tema, ya que no siempre se efectúan ejercicios prácticos con el elemento, títeres y/u objetos, lo cual ocasiona que el actor solucione las dificultades que acontecen intuitivamente, sin tener una técnica que lo avale o un trabajo experimental previamente realizado, con respecto a este problema. Lamentablemente si  hay un bloque dentro de los cursos, que trate sobre este tema, es fugaz, y si el alumno se muestra interesado, debe comenzar a practicar por cuenta propia y/o tomar algún taller adicional, ya sea en alguno de los pocos grupos que hacen este tipo de trabajo en Perú, o viajar al extranjero, a países como Argentina, Brasil o Chile, que son los países latinoamericanos en los cuales esta corriente del Teatro de Objetos es practicada con regularidad y adoptada por diversos grupos que se dedican exclusivamente a este tema y están en constante crecimiento y exploración.

En el monólogo “Soledad” del autor peruano Ernesto Ráez Mendiola, el personaje Soledad, se encuentra en un estado catatónico por decisión propia, se siente segura en su mundo interior y no quiere salir a la realidad. Los médicos luchan por regresarla al mundo real pero ella se resiste, es en esta parte donde se presenta el conflicto. Todo lo que acontece en escena, está sucediendo en el cerebro de esta mujer, por  lo tanto lo que se presenta en escena, pasa tal cual lo imagina Soledad, en tiempo presente. Ella tiene distintas maneras de visualizar  la muerte, a su familia, sus ideales, y otras cosas que forman parte de su vida. Son  parte de su imaginación, sus recuerdos, sus sueños, deseos y fantasías, aquellos que se convierten en símbolo dentro de la obra.

A través del Teatro de Objetos es que, además de encontrar una posibilidad de mostrar la relación entre el personaje Soledad  y lo que está vivo en su imaginación; se pretende representar los símbolos que aparecen dentro del monólogo, usando como medio, ciertos objetos valorados previamente. Es decir que con la valoración apropiada del objeto u objetos, se va a manifestar de forma  material los símbolos que aparecen dentro de la obra.

Por lo tanto, esta investigación pretende conocer y seleccionar ciertas herramientas del Teatro de Objetos que permitan ofrecer la valoración necesaria a cada elemento en escena que represente un símbolo que posea carácter de actante,  y de esta forma puedan manifestarse y visualizarse a través de la materialización de estos. Sin dejar de lado, la relación actor-objeto, la cual será crucial para mostrar la dependencia entre el personaje Soledad y su mundo imaginario.

Antonia Mor Amor

NO POR MI APARIENCIA , ¡SI! POR MIS ACTOS

-¡Viste como le di  la  alegría a Almendrita!

 Con esas palabras Vania Paz, mi hija  de 5 años salía del Teatro en la ya conocida Sala de la Triple A en el centro de Lima.

Habíamos visto "Almendrita",  texto que desconocía de la dramaturga Sara Joffré.

Lo interesante del texto es que coloca (como todas las obras de Sara)  a sus personajes a  merced de su público, es decir, son los espectadores los que  juzgarán los personajes según sus acciones y no según su condición física o social dentro de la obra.

¡Me gustó la bruja fea! - Fue otro comentario de mi hija, quien daba detalles de lo "lindo del vestuario de trapos de la bruja "  y mejor aún " lindas alas del pajarillo" (personaje asumido por la misma actriz que asume el rol de  la bruja fea)

Y es cierto, ¡qué gusto da ver obras donde  no existen los clichés ni estereotipos de los personajes "bonitos" "malos" o "buenos"! identificarte con uno de ellos, tomar partido por otro o simplemente divertirte con  cualquiera de ellos es misión del espectador, del niño en este caso , único testigo de lo que sucede y quien dentro de su juicio   moral como niño que es  asume que los actos de cada uno de los protagonistas de la historia  sean los que determinen lo "bueno " y lo "malo" y entonces desde la misma visión de niño decidan qué es lo que realmente deben hacer.

Molinos de Viento es el grupo joven, novato, que decide asumir el reto de  poner a escena esta obra en una sala que hoy en día viene siendo "RE-valorada" , recuperando así el éxito de antaño.

Con algunas fallas técnicas (iluminación inapropiada en muchos momentos oscuros en la boca de escena, sonoplastía en un volumen muy alto para la sala) propias de  un grupo que inicia en el medio teatral, es  loable la labor  llevada a cabo por el grupo, quienes con sólo un costal y elementos de vestuario logran que el mundo mágico y la casa de Almendrita sea vista y reconocida en cada rincón por el público infantil. Inteligente solución de los elementos de cocina mostrados por "Juana" la mamá de Almendrita, quien en su mandil carga todo lo que un niño puede imaginar y ya espera qué novedad de  ese bolsillo saldrá. Cintas celestes que representan las alas del pajarillo herido , un saco largo nos muestra al topo, un vestidito nos deja conocer a Almendrita  y sacos con larga cola nos hacen ver a dos ratones quienes  lograrán su  cometido siempre que "estudien" y aprendan ...entre otras cosas. 

Es un buen comienzo de "Molinos de Viento" arriesgando sin  fallar en la elección de una obra de Sara Joffre que sin duda alguna es una dramaturga  de quien podemos afirmar que el público infantil está a salvo de  la destrucción de su mundo imaginario y muy por el contrario ofrece que el encuentro con del niño con el Teatro sea enriquecedor en todos los aspectos, porque un niño que piensa, es y será un niño libre.

Guadalupe Vivanco

BUSCANDO ENTRE TODO

 Esta época post moderna caracterizada por el eclecticismo, deja atrás las formas clásicas de hacer teatro para darle paso a la multiplicidad, la deconstrucción, la interacción de las artes. Si bien es cierto existen mayores posibilidades de realizar un montaje existen mayores retos. En las vanguardias se instalan modelos de hacer arte y en el momento en que ésta situación cambia se rompen estos modelos, dejan de existir formas correctas, ni puras, ni verdaderos.

Existe la libertad de crear no sólo en base a un texto hecho sino a una idea, a una imagen, existe también la libertad de trasgredir las estructuras del teatro convencional, de apropiarse de un texto no solo dramático, y hacerlo suyo o crear otro a partir de varios, etc.

El actor y la actriz que se encuentran con el reto de crear a partir de un texto, se confrontan con esta variedad de formas. Susana Lage sostiene que en estos tiempos es lo recurrente partir de un texto o idea origen: ”[...]no es una mirada que se quiere recuperar o hacer renacer o hacer renacer, sino una nueva utilización de materiales extrapolados e insertados en otro contexto, al mismo nivel y tal como se opera con, por ejemplo, los elementos de la cultura de masas”.

El asunto está en el cómo intervienen en los actores estos estímulos que permitan producir sentidos que apoyen a la idea de su trabajo. Finalmente el resultado será su propia dramaturgia la cual nunca dejará de reinventarse.

 MARICARMEN ZAVALETA

RITUALIDAD EN EL CONTEXTO TEATRAL

El interés por las expresiones festivas y estéticas andinas no es nuevo, las practicas de los grupos como los shapish, el huacon, la contra danza, los saqras, todas estas son manifestaciones locales con la presencia del ritual, pero constituye en el Perú una preocupación marginal dentro  de la antropología y de las ciencias sociales en general. 

( Canepa Koch 2009.)

La forma de expresión   un pueblo  se refleja  en sus fiestas patronales con su connotación religiosa  y su teatralidad, conservando su historia, personajes, movimientos (físicos), gestos, danza, canto, vestuarios y el convivio con el público, pero no es teatro.

Sin embargo en el teatro también se maneja  y trabaja todos los elementos ya mencionado y utilizados en las fiestas patronales, para el trabajo de la actriz  y para la construcción de su personaje.

Hay muchos grupos como Yuyachckany, Teatro del Milenio que  mantienen  y siguen su búsqueda  como forma de expresión  y encontrando su propio lenguaje y tomando como modelos  en algunos casos a las fiestas patronales  de cada región , otorgándole a la actriz  una fuente  de inspiración y trabajo para su composición , siendo este camino de las fiestas patronales un reto o una nueva forma de creación  para la actriz, usando la descontextualización  de los personajes andinos para insertarlas en la creación de uno nuevo.

Al observar a “la china diabla” saqra o supay que significa un diablo travieso, tentador, este personaje es una mujer de psicología   dominante y encabeza   una comparsa  de saqras hombres que pertenece a la Fiesta de Pàucartambo  surgen varias interrogantes ¿Cómo tratar personajes  de fiestas folclóricas para el teatro?, ¿Cómo deconstruir  el personaje de la china diabla para la composición  física  de otro personaje?

Se inicia entonces la búsqueda de la actriz en el deseo de encontrar y desarrollar una dramaturgia partiendo  de la ritualidad  de estas fiestas patronal, siendo este  un nuevo campo  de creación y de trabajo para la actriz.

Luisa puente Altamirano.

La Metáfora en un proceso creativo para una obra de teatro

Para el trabajo de un actor, la forma como representar o expresarse puede ser de infinitas maneras, para ello utilizaremos metáforas para diversas representaciones. Para ello el libro George Lakoff nos brindará una idea de lo que es metáfora y en la formas  en que las utilizamos.

“Para la mayoría de la gente, la metáfora es un recurso de la imaginación poética, y los  ademanes retóricos, una cuestión de lenguaje extraordinario más que ordinario. Es más la metáfora se contempla característicamente como un rasgo  solo del lenguaje, cosa de  palabras más que de pensamiento o acción. Por esta razón, la mayoría  de la gente piensa que pueden arreglárselas perfectamente sin metáforas. Nosotros hemos llegado a la conclusión de que  la metáfora, por el contrario, impregna la vida cotidiana, no solamente el lenguaje, sino también el pensamiento y la acción. Nuestro sistema conceptual ordinario, en términos del cual pensamos y actuamos, es fundamentalmente de forma metafórica.”(Semiología, George Lakoff 1995 )

Así podemos ver como las metáforas repercuten  en nuestras vidas cotidianas, en nuestros pensamientos y acciones, de esta manera trataremos de dirigirnos a la metáfora corporal que se utilizará en una obra teatral donde la acción será desarrollada por el cuerpo. Donde la palabra no es esencial protagonista, sin llegar al extremo de quitarla totalmente. Para este trabajo el cuerpo que será la principal  herramienta necesita un entrenamiento  físico para estar apto para el trabajo.

 En la practica la metáfora  se desarrollara de distintas maneras, un movimiento nos puede contar una historia, nos puede representar un sentimiento nos brindará distintas lecturas, nos da la libertad de representar de la forma que  sentimos, en cualquier estilo ya sea del absurdo, naturalista, realista, etc.

Así como  un movimiento nos puede brindar varias lecturas y puede ser desarrollado de la forma  que fuere lo mismo ocurre con la palabra, una sola palabra, o una oración  nos puede brindar distintas lecturas y sensaciones, de esta manera podemos expresar  o representar lo que queramos.

                                  ANALIZ PUMAHUACRE

LO VISIBLE EN EL ENTRENAMIENTO ACTORAL

El desarrollo del cuerpo tanto dentro y fuera de la actuación o medio teatral demanda disciplina y constante cuidado, ya que aporta en la composición de determinados personajes obligando al actor a romper ciertos esquemas corporales y estereotipos propios así como las técnicas usadas en la comedia del arte. Es así como el entrenamiento físico aporto también en la preparación de los actores Kathakali los cuales se caracterizaban por ser metafóricos con un uso elevado del cuerpo y la musculatura facial. Este training actoral se manifiesta a grandes rasgos en el teatro físico o de cuerpo, en obras clásicas, y porque no decirlo, en espectáculos circenses, pero ¿Cómo manifestar dicho entrenamiento en una propuesta realista? O ¿el entrenamiento seria indispensable o por lo menos visible en una puesta en la cual el movimiento ha quedado restringido?

En el monologo “David que no fue Brenda” del dramaturgo uruguayo Andrés Caro Berta que cuenta con cinco personajes hechos para un solo actor en la cual se está trabajando, desde que comenzó el entrenamiento corporal ya hace algunos meses la visión que se tenía en función a la propuesta y forma de plantear el monologo en escena fue variando a paso mesurado con posibilidad de una variación radical ya que en la exploración desde un inicio se optó por usar todo el espacio escénico como parte del desplazamiento de los determinados personajes tomando la preparación física del actor como base sólida e indispensable, además, usando los esfuerzos de Rudolf Laban y ciertos principios de Meyerhold llevados a manera de ejercicio a partir de acciones simples formaron así parte del entrenamiento físico – vocal, pero a menudo, cada vez la visión del desplazamiento y la forma de narración de la obra se iba tornando con menos movimientos y como se mencionó en un principio se podría llegar a la posibilidad de una variación radical siendo la propuesta casi estática. No obstante, esto no quiere decir que el trabajo físico trabajado quedaría descartado o de alguna manera restringido por la nueva propuesta, ya que en el transcurso del entrenamiento como mencionaba Jersey Grtotowski, se descubre las resistencias y obstáculos en la labor creativa, además, el trabajo de la biomecánica de Meyerhold aporta y, porque no decirlo, se une al método de las acciones físicas de Stanislavski siendo así un refuerzo en la acción de dichos personajes.

Es así que el cuerpo se convierte en un medio eficaz emisor de la acción manifestando así un determinado comportamiento, en movimiento o en la inmovilidad absoluta el entrenamiento físico libera obstáculos quedando expuesto al personaje teatral y no al acto con sus deficiencias.

JOHANN ALLPAS ALVARADO