Cuando el canto se canta...

Eran las 9:00 p.m del jueves  3 de octubre y salía  de la Sala Ensad  luego de asistir "El canto del cisne" de Chejov y "Camila canta a la vida" de Ernesto Ráez.

Ambos textos son presentados como "estudios dramáticos", si bien en el teatro acostumbramos a leer "textos teatrales" muy pocas veces se nos presentan los "estudios dramáticos".

En realidad el significado de un estudio dramático no lo tengo muy en claro, pero creo que poco importa cuando de lo que se trata es de ver las obras y llevarnos a la reflexión o a la  contemplación de dos situaciones de vida cercanas a nuestra realidad, más cercana aún para el artista.

Con la interpretación de dos actores de "talla" y "peso" El canto del cisne es una alegoria a la muerte  , a la redención, a la vida.

Y es que vale preguntarnos ¿qué significa ser actor en esta época? ¿qué fue y que es la  profesión del actor en épocas en que este arte es muy poco o nada valorado?

Si bien es cierto, la obra muestra a dos viejos (uno actor y el otro apuntador)  solos en el camerin  notamos la vigencia  aún en el pasar del tiempo, por ello es que creo la elecciòn de Jorge Sarmiento en montarla en la ya renovada Sala Ensad es un homenaje no sólo a Chejov sino más bien un homenaje al arte de actuar, a todos y cada uno de aquellos que dedicados a este arte valoran y aprecian cada encuentro con el espectador, cada acto "convivial" donde se funden energias llenas de vida y de muerte.

Acertado es  también que esta vez  la interpretación recaiga en dos actores dignos de  recibir homenajes : Rafael Hernandez y Arturo Villacorta, dos artistas con más de 50 años en el teatro, pero ojo no por los años queremos que este montaje sea su propio "canto del cisne" muy por el contrario es una alegoria a la vida...a sus vidas en el teatro; dicho sea de paso "Camila canta a la vida" de Ernesto Ráez nos muestra a una vieja actriz, en una situación semejante a Vasili de Chejov.

Interpretada por Pilar Nuñez este estudio nos deleita con  grandes momentos del teatro peruano  en contrapunto con la jovialidad del aspirante a actor, interpretado por Emilio Montero y la muchacha de la limpieza Laura Pereira. La fusión de jovialidad, madurez, ternura, inocencia, energia, experiencia hacen con que el espectador sea parte y cómplice de ese sueño "recordar es volver a vivir" .

Grata pues ha sido la experiencia de ver estas dos obras, en ambas y bajo la metafórica y muy acertada "agonia del rasuñiti" nos quedamos con esto: llegó el final...la muerte, pero una muerte que fue y va más allá de la vida, dejando de lado las manoseadas frases de "a la muerte hay que verla con los ojos", ¿por qué no? la muerte llega y algo nuevo renace...al final es sólo antes de morir que podemos escuchar el verdadero "canto del cisne...cantando a la vida"

Guadalupe Vivanco
Un cisne que aún no desea cantar...

METÁFORA E INTERPRETACIÓN PARA UNA CREACIÓN DE PERSONAJE

Metáfora  e interpretación, ¿Qué en común tienen estos dos términos?, ¿de qué manera se fusionan para una creación de personaje?  Estas son una de las  preguntas que tuve que hacerme para crear una composición e interpretación del personaje y de qué forma las metáforas repercuten en la interpretación. Pues como explique en los comentarios anteriores la esencia de la metáfora es decir una cosa en términos de otra, un significado similar  tiene la interpretación,  por ejemplo:

Explicar acciones, dichos o sucesos que pueden ser entendidos de diferentes modos.

Traducir de una lengua a otra, sobre todo cuando se hace oralmente.

 Concebir, ordenar o expresar de un modo personal la realidad.

Estos son uno de los conceptos de los  cuales me sustentaré para decir que la metáfora tanto como la interpretación, son similares  y se pueden fusionar para la  creación de un personaje, ya que ambas, trabajan  con diversos lenguajes como los símbolos, las imágenes, el cuerpo, que nos pueden brindar diferentes lecturas, y de esta manera podemos  interpretar  las metáforas en la interpretación del personaje  que son libres y únicas para cada individuo.

Ya he explicado mi punto de vista con respecto a estos dos términos, ahora explicaré porque elijo la palabra interpretación del personaje y no la representación del personaje. Elijo este término porque la interpretación  va más allá de una simple representación, que solo se encargá de representar tal cual lo que dice y se describe  en el texto, por otro lado la interpretación toma la esencia, el tema principal, que el autor nos quiere en su obra, y le da chance al director y al actor  a proponer cosas nuevas para el montaje de la obra, sin dejar de lado   el tema principal que el autor propone, al contrario este trabajo de complementación de autor ,director y actor, hace más rica la puesta en escena.

ANA LIZ PUMAHUACRE

La relación del Gesto con el Movimiento en el Espacio

Algunos dirán que Mimo es el arte del movimiento corporal y que la Pantomima es que lo imita todo o es una breve historia sin palabras.

Sin embargo el arte nunca es estático, el arte es subversivo y siempre está en permanente dinámica tenemos que tener en cuenta que vivimos en una época donde la imagen cada vez toma mayor importancia que la palabra. Donde el hecho teatral se nutre de las diversas artes tales como la música, la pintura, la danza, el video, el circo, etc.

A veces tendemos a aprisionarnos con absurdas y complejas definiciones para conceptualizar el arte (que también a veces es necesario) haciéndolo atravesar con barrotes y no dejarlo a que evolucione, sea dinámico y ser libre como arte que es. Ya que veces nos aferramos a estas cárceles que algunos crean y se aferran a ella como un pajarillo aun dentro de un cascaron.

¿Acaso no es necesario romper y salir de ese cascarón?

¿Acaso no es necesario transgredir estas cárceles para seguir arriesgando?

¿Acaso no es necesario hablar en estos tiempos sobre la fuerza que tiene la imagen, que va implícito el gesto y como tal, este se construye y deconstruye en el espacio para tejer nuevas partituras?

¿Acaso no podemos hablar de una partitura gestual del cuerpo o de la psicología del actor u objeto?

¿Acaso no pueden ser tantas cosas?

¿Acaso no se puede decir que el gesto es la expresión de un movimiento, una palabra, un pensamiento, un objeto o forma de luz en el espacio?

Enlazar las distintas vertientes teniendo como punto de partida la investigación, exploración y experimentación del arte del gesto, será el nuevo reto para encontrar nuevas formas de creación escénica y construir nuestras propias luces de ver el teatro.

Junior Benavente Izaguirre

EL USO DE LAS METÁFORAS EN LA TRAGEDIA

 

Como hemos visto en  los comentarios anteriores acerca de la  metáfora, mencionamos que gracias a esta podemos utilizar  un lenguaje poco inusual, donde  las palabras o  frases  tengan un valor  más poético o que encierren algo más que una simple idea, de lo que comúnmente  se  está acostumbrado  a utilizar en el día a día . De esta manera también hacemos mención de como las metáforas son utilizadas en el teatro, recordemos que el tiempo de las tragedias griegas estas jugaron un papel importante sobre  todo en los  diálogos  que los dioses griegos utilizaban, o la elocuencia que tenían al  referirse a ellos, aquí tenemos un ejemplo: por cierto “Ulises ha llevado a cabo diez mil nobles hazañas” donde “diez mil”  es la especie que corresponde a un número desmesurado y en lugar de emplear el término “muchas”, el poeta utiliza “diez mil”. De esta forma podemos ver como  son remplazadas las palabras que denotan  un significado simple y común, por términos o frases fuera de lo inusual que encierran algo más que una  simple idea. Con esta información hemos visto como las metáforas son piezas fundamentales  en las obras de teatro.

 

Ana Liz Pumahuacre

 

Preparación de la sombra

Se dice que para llegar a dominar una técnica sea cual fuere, se debe vivir con ella, debe formar parte de tu cotidiano y debes amarla… Pero ¿Qué pasa cuando ésta técnica no forma parte de tu tradición, y no fue difundida de generación  a tu generación?

Esta es la pregunta que nos hacemos cada vez que nos enfrentamos a lo nuevo o lo desconocido, a la que por lo general tomando el camino más fácil, respondemos: “creo que esto no es lo mío” entonces nos asustamos y nos negamos a enfrentarlo y elegimos otro camino. Los hombres que desean romper sus retos van a necesitar una actitud más positiva, valiente y perseverante; sin embargo no es suficiente ya que el único camino que te llevará a romper esas limitaciones va a depender de tu esfuerzo, estudiar mucho, practicar una, otra, otra y otra vez más, de modo que la conviertas en parte de ti hasta conseguir el conocimiento deseado, sólo así podrás tener la satisfacción de superar tus límites, los que te llevarán a superar otros incluso mayores.

El teatro de sombra es un arte tradicional que nació en China como un espectáculo para rituales o ceremonias mortuorias. Ésta no solo es un arte, es una disciplina que se practica estrictamente ya que el conocimiento es práctico y son necesarios muchos años de dedicación total para su dominio.

Es importante saber que el teatro de sombras no es otra cosa que el trabajo de las técnicas de luz, de modo que lo primero que se debe estudiar para poder realizarla son los efectos que causan los distintos tipos de luz sobre la tela en la que se proyecta; a partir de eso se puede jugar con la nitidez de la imagen, la deformación y otros efectos que ayuden a la historia.

Las sombras tienen la facilidad de contar historias, y juega mucho con los personajes tipo, que tienen características muy marcadas. Sin embargo no es tan sencillo como puede aparentar. La sombra no lo dice todo pero dice mucho, es cuestión de sacarle el mayor provecho y descubrir todo lo que puede ofrecer, sin olvidar que nada es absoluto y es necesario identificar sus limitaciones; tal como lo dice Ana María Amaral:

“La sombra tiene su propio lenguaje, hay cosas que la palabra cuenta mejor que la sombra; hay cosas que la sombra cuenta mejor que la palabra y encontrar el texto de la sombra es lo complicado”.

ALLYPSIS KUSKA

EL CUERPO COMO INSTRUMENTO

Hemos sido desde el inicio de los tiempos,  masa, desde la explosión del Big Bang,  millones y millones de partículas se expandieron ocupando un lugar en el espacio  para crear vida y transformarse en el universo en el que ahora vivimos.

Hago entonces la similitud de nosotros los actores que nos expandimos dentro de nuestro propio espacio para así crear este arte llamado teatro. Entonces no  podría existir  este  teatro sin la presencia del actor en escena,  de una masa, de un cuerpo presente a lo largo del convivio teatral.

Este cuerpo presente no es más que la manifestación del pensamiento y el cuerpo, esta combinación lo hace vital, existente. Tal como nos dice Yves Lebreton* en su escrito EL CUERPO MANIFIESTO

“El acto físico radicado en el cuerpo, proyectado por el movimiento y estimulado por el pensamiento afirma una existencia”

Ahora como este cuerpo que es utilizado como instrumento de representación, (cuando digo instrumento  no me refiero al cuerpo como objeto sino como la esencia del ser humano) esta netamente ligada al entrenamiento del actor el cual debe darse de manera integral ya que debe ser capaz de transformar y crear sin límites que lo estanquen en un pozo de pocas posibilidades físicas.

Este cuerpo cuando se complementa a través de nuestra conciencia, de experiencias sensoriales  y nuestra imaginación más el entrenamiento actoral  que cosas podrían crearse rompiendo  inclusive nuestros propios esquemas, dejándonos sorprender una y otra vez descubriendo esta  expresividad del actor y  la posibilidad de cobrar vida en el escenario.

SILVIA TERNERO

La mujer en la escena posmoderna y producción de sentido

En la obra “La mujer sola” se manifiesta como símbolo de varias mujeres que aun estos tiempos padecen de ser consideradas objeto dentro de la sociedad, un objeto manipulable por la hegemonía masculina. La posmodernidad en el momento que plantea no uno sino varios enfoques acerca de un tema, comienza a cuestionarse sobre lo que realmente es correcto o no, sobre o que se debe o no, lo que significa cada cosa no buscando un concepto sino una reflexión. Es en ese momento en que la presencia de la mujer en escena se transforma, traslada su búsqueda de identidad femenina al campo simbólico, utiliza su cuerpo como medio para situarse en algún punto. El cuerpo como parte de ella misma, el cuerpo que comprende mente y alma, es éste el que se relaciona con el entorno el que mantiene a todos conectados con la realidad y la vida. En este caso citaremos a Patricia Márquez (2002):

“El cuerpo de la mujer en el arte corporal posmoderno, es un cuerpo que busca autodefinirse como alternativa a la autocensura de los discursos patriarcales. El cuerpo se convierte en el narrador de historias inconclusas, de deseos reprimidos, de esperanzas y sueños, desvelando el juego entre la realidad y la falsedad de los roles femeninos. ”

El cuerpo como manifiesto de sensibilidad enmarcado en un contexto de arte dramático y arte de movimiento, se propone replantear su propia existencia, buscando simbólicamente su espacio tiempo, su propio ser.  Personalmente como mujer me planteo ¿qué es para una mujer ser mujer? ¿Qué significa su cuerpo? ¿Qué significa nuestro cuerpo?¿Fertilidad? ¿Sexo? ¿Sensualidad? ¿Maternidad?  ¿Cuál es nuestro espacio ahora?...Aun me lo sigo preguntando.

 

MARICARMEN VELÁSQUEZ